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 DI KLIMT ABBIAMO DA POCO PUBBLICATO I PAESAGGI::

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Gustave Klimt | Disegni

 

 

 

 

Gustav Klimt (14 luglio 1862 – 6 febbraio 1918 ) fu un pittore austriaco ⎆ simbolista and e uno dei membri più importanti del movimento della Secessione di Vienna.

Klimt è noto per i suoi dipinti, murales, schizzi e altri oggetti d’arte. Il soggetto principale di Klimt era il corpo femminile e le sue opere sono segnate da un franco erotismo. Oltre alle sue opere figurative, che includono allegorie e ritratti, dipinge paesaggi.

Tra gli artisti della Secessione di Vienna, Klimt fu il più influenzato dall’arte giapponese e dai suoi metodi.

All’inizio della sua carriera artistica, è stato un pittore di successo di decorazioni architettoniche in modo convenzionale. Mentre sviluppava uno stile più personale, il suo lavoro fu oggetto di controversie che culminarono quando i dipinti che completò intorno al 1900 per il soffitto della Sala Grande dell’Università di Vienna furono criticati come pornografici.

Successivamente non accettò più commissioni pubbliche, ma ottenne un nuovo successo con i dipinti della sua “fase d’oro “, molti dei quali includono foglie d’oro. Il lavoro di Klimt ha avuto un’influenza importante sul suo contemporaneo più giovane, Egon Schiele ⎆ .

Gustav Klimt è nato a Baumgarten, vicino a Vienna, il secondo di sette figli: tre maschi e quattro femmine. Tutti e tre i figli hanno mostrato presto talento artistico. Suo padre, Ernst Klimt, originario della Boemia, era un incisore d’oro. Ernst sposò Anna Klimt ( nata Finster ), la cui ambizione non realizzata era quella di essere un musicista. Klimt ha vissuto in povertà per gran parte della sua infanzia, poiché il lavoro era scarso e l’economia difficile per gli immigrati.

 

 

Una vecchia signora

 

 

Nel 1876, Klimt fu iscritto alla Scuola di arti e mestieri di Vienna ( Kunstgewerbeschule ), dove studiò fino al 1883 e ricevette una formazione come pittore di architettura. Ha venerato il principale pittore di storia dell’epoca, Hans Makart. A differenza di molti giovani artisti, Klimt ha accettato i principi della formazione accademica conservatrice. Nel 1877 anche suo fratello Ernst, che come suo padre sarebbe diventato un incisore, si iscrisse alla scuola. I due fratelli e il loro amico Franz Matsch iniziarono a lavorare insieme; nel 1880 ricevettero numerose commissioni come squadra che chiamarono la ” Compagnia degli artisti “. Klimt ha iniziato la sua carriera professionale dipingendo murales e soffitti interni in grandi edifici pubblici sulla Ringstraße, tra cui una serie di successo di “Allegorie ed Emblemi “.

Nel 1888, Klimt ricevette l’ordine d’oro di merito dall’imperatore Francesco Giuseppe I d’Austria per il suo contributo all’arte. È anche diventato membro onorario dell’Università di Monaco e dell’Università di Vienna.

Nel 1892 morirono sia il padre che il fratello Ernst e Klimt dovette assumersi la responsabilità finanziaria della famiglia, anche di quella suo fratello.

 

 

Le tragedie influirono anche sulla sua visione artistica, e presto si sarebbe orientato verso un nuovo stile personale.

 

Emilie Louise Flöge (Vienna, 30 agosto 1874 – Vienna, 26 maggio 1952) è stata una stilista austriaca.

 

Emilie Flöge ritratta da Gustav Klimt nel 1902

 

All’inizio del 1890, Klimt conobbe Emilie Flöge, che, nonostante le relazioni dell’artista con altre donne, sarebbe stata la sua compagna fino alla fine della sua vita.

 Klimt divenne uno dei membri fondatori e presidente della Wiener Sezession ( Vienna Secession ) nel 1897 e del periodico del gruppo Ver Sacrum ( Sacred Spring ). Rimase con la Secessione fino al 1908.

Gli obiettivi del gruppo erano fornire mostre per giovani artisti non convenzionali, portare le migliori opere di artisti stranieri a Vienna e pubblicare la propria rivista per mostrare il lavoro dei membri.

Il gruppo non dichiarò alcun manifesto e non decise di incoraggiare uno stile particolare: naturalisti, realisti e simbolisti convissero tutti.

Il governo ha sostenuto i loro sforzi e ha dato loro un contratto di locazione su terreni pubblici per erigere una sala espositiva. Il simbolo del gruppo era Pallade Atena, la dea greca delle giuste cause, saggezza e arti – e Klimt dipinse la sua versione radicale nel 1898.

A partire dalla fine del 1890 Klimt trascorreva le vacanze estive annuali con la famiglia Flöge sulle rive dell’Attersee e vi ha dipinto molti dei suoi paesaggi. Queste opere costituiscono l’unico genere a parte la figura che interessava seriamente a Klimt, e sono di un numero e una qualità tali da meritare un apprezzamento separato.

Formalmente, i paesaggi sono caratterizzati dalla stessa raffinatezza del design e dalla trama enfatica dei pezzi figurali. Lo spazio profondo nelle opere di Attersee è così efficacemente appiattito su un unico piano che si ritiene che Klimt li abbia dipinti mentre guardava attraverso un telescopio.

Nel 1894, Klimt fu incaricato di creare tre dipinti per decorare il soffitto della Sala Grande dell’Università di Vienna. Non completato fino alla fine del secolo, i suoi tre dipinti, Filosofia, Medicina e Giurisprudenza furono criticati per i loro temi e materiali radicali, e fu chiamato ” pornografico “.

Klimt aveva trasformato l’allegoria e il simbolismo tradizionali in un nuovo linguaggio più apertamente sessuale e quindi più inquietante.

Le proteste pubbliche sono arrivate da ogni parte – politica, estetica e religiosa. Di conseguenza, non furono esposti sul soffitto della Sala Grande. Questa sarebbe l’ultima commissione pubblica accettata dall’artista. Tutti e tre i dipinti furono distrutti ritirando le forze SS nel maggio 1945.

 

NUDA VERITAS ( 1899 )

 

 

La donna nuda dai capelli rossi nuda tiene lo specchio della verità, mentre sopra è una citazione di Schiller in caratteri stilizzati,

“Se non puoi compiacere tutti con le tue opere e la tua arte, compiacene alcuni. Perché compiacere molti è male”.

Nel 1902, Klimt finì il fregio di Beethoven per la 14a mostra secessionista di Vienna, che doveva essere una celebrazione del compositore e presentava una monumentale scultura policroma di Max Klinger.

Destinato solo alla mostra, il fregio è stato dipinto direttamente sulle pareti con materiali leggeri. Dopo la mostra il dipinto è stato conservato, anche se non è stato esposto fino al 1986.

Fase d’oro e successo critico

La ” Fase d’oro ” di Klimt è stata caratterizzata da reazioni critiche positive e successo. Molti dei suoi dipinti di questo periodo utilizzavano foglie d’oro; l’uso di spicco dell’oro può essere fatto risalire a Pallade Atena (1898) e Giuditta I ( 1901 ), sebbene le opere più popolari associate a questo periodo siano il Ritratto di Adele Bloch-Bauer I ( 1907 ) e Il bacio ( 1907- 1908 ).

Klimt viaggiò poco, ma viaggi a Venezia e Ravenna, entrambi famosi per i loro splendidi mosaici, molto probabilmente ispirarono la sua tecnica d’oro e le sue immagini bizantine.

Nel 1904, collaborò con altri artisti al sontuoso Palais Stoclet, la casa di un ricco industriale belga, che era uno dei più grandi monumenti dell’età Liberty. I contributi di Klimt alla sala da pranzo, inclusi sia Adempimento che Aspettativa, sono stati alcuni dei suoi migliori lavori decorativi e, come ha dichiarato pubblicamente, ” probabilmente lo stadio finale del mio sviluppo dell’ornamento “.

Tra il 1907 e il 1909, Klimt dipinse cinque tele di donne della società avvolte nella pelliccia. Il suo apparente amore per il costume è espresso nelle numerose fotografie di abbigliamento, modelli che Floge ha disegnato.

Mentre lavorava e si rilassava nella sua casa, Klimt indossava normalmente sandali e una lunga veste senza indumenti intimi. La sua vita semplice era in qualche modo un chiostro, dedicata alla sua arte e famiglia e poco altro tranne il movimento secessionista, ed evitava socialmente la società del caffè e altri artisti.

La fama di Klimt di solito portava i clienti alla sua porta e poteva permettersi di essere altamente selettivo. Il suo metodo pittorico era molto deliberato e scrupoloso e a volte  richiedeva lunghe sedute da parte dei suoi soggetti.

Sebbene fosse molto attivo sessualmente, manteneva i suoi affari discreti ed evitava lo scandalo personale. Come Rodin, anche Klimt utilizzava la mitologia e l’allegoria per mascherare sottilmente la sua natura altamente erotica, e i suoi disegni rivelano spesso un interesse puramente sessuale nelle donne come oggetti.

I suoi modelli erano abitualmente disponibili per lui in posa in qualsiasi modo erotico che gli piacesse. Molti dei modelli erano anche prostitute. Klimt ha scritto poco sulla sua visione o sui suoi metodi. Scrisse principalmente cartoline a Flöge e non tenne un diario.

In una rara scrittura chiamata: “Commento su un autoritratto inesistente”, afferma “Non ho mai dipinto un autoritratto. Sono meno interessato a me stesso come soggetto per un dipinto di quanto non lo sia nelle altre persone, soprattutto nelle donne … Lì non c’ è niente di speciale per me. Sono un pittore che dipinge giorno dopo giorno dalla mattina alla sera … Chi mai vuole sapere qualcosa su di me … dovrebbe guardare attentamente le mie foto “.

 

• Vita successiva e successo postumo

Nel 1911 il suo dipinto Death and Life ricevette il primo premio nelle mostre mondiali di Roma. Nel 1915 sua madre Anna morì. Klimt morì tre anni dopo a Vienna il 6 febbraio 1918, dopo aver subito un ictus e una polmonite. Fu sepolto al cimitero di Hietzing a Vienna. Numerosi dipinti furono lasciati incompiuti.I dipinti di Klimt hanno portato alcuni dei prezzi più alti registrati per le singole opere d’arte.

Nel novembre 2003, il Landhaus am Attersee di Klimt ha venduto per $ 29.128.000, ma questo è stato presto eclissato dai prezzi pagati per altri Klimts.

Nel 2006 l’artista Apple Tree I ( circa 1912 ) ha venduto per $ 33 milioni e Birch Forest ( 1903 ) ha venduto per $ 40,3 milioni.

Entrambe le opere sono state recentemente restituite agli eredi di Adele Bloch-Bauer.

Acquistato per la Neue Galerie a New York da Ronald Lauder per un valore di 135 milioni di dollari, il ritratto del 1907 Adele Bloch-Bauer I depose il 1905 Boy with a pipe di Picasso (venduto il 5 maggio 2004 per 104 milioni di dollari ) come il prezzo più alto mai pagato per un’opera d’arte venduta all’asta pubblica, intorno al 19 giugno 2006 o intorno ad essa.

Questo è uno dei cinque dipinti citati di seguito nella sezione Legacy e un rapporto NPR. Il 7 agosto 2006, la casa d’aste di Christie annunciò che stava gestendo la vendita delle opere rimanenti di Klimt che furono recuperate dagli eredi di Bloch-Bauer dopo una lunga battaglia legale.

Hanno messo all’asta Portrait of Adele Bloch-Bauer II nel novembre 2006 per $ 88 milioni, la terza opera d’arte al prezzo più alto all’epoca.

Collettivamente i cinque dipinti restaurati, compresi i paesaggi sopra citati, hanno incassato oltre 327 milioni di dollari.

• Stile e temi ricorrenti

L’opera di Klimt si distingue per l’elegante decorazione in oro o colorata, spesso di forma fallica che nasconde le posizioni più erotiche dei disegni su cui si basano molti dei suoi dipinti.

Lo si può vedere in Giuditta I (1901) e in Il bacio ( 1907-1908 ), e in particolare in Danaë ( 1907 ). Uno dei temi più comuni utilizzati da Klimt era quello della donna dominante, la femme fatale.

Gli storici dell’arte notano una gamma eclettica di influenze che contribuiscono allo stile distinto di Klimt, tra cui ispirazioni egiziane, minoiche, greche classiche e bizantine.

Klimt si ispirò anche alle incisioni di Albrecht Dürer, alla pittura europea tardo medievale e alla scuola giapponese di Rimpa.

Le sue opere mature sono caratterizzate da un rifiuto degli stili naturalistici precedenti e fanno uso di simboli o elementi simbolici per trasmettere idee psicologiche e sottolineare la ” libertà ” dell’arte dalla cultura tradizionale. | © Wikipedia

Gustav Klimt ( Baumgarten, 14 luglio 1862 – Vienna, 6 febbraio 1918 ) è stato un pittore Austriaco uno, uno dei più noti artisti della secessione viennese.

• Giovinezza e formazione artistica

Gustav Klimt nacque il 14 luglio 1862 a Baumgarten, allora sobborgo di Vienna, secondo di sette fratelli ( quattro femmine e tre maschi ): il padre Ernst Klimt ( 1834-1892 ), nativo della Boemia, era un orafo, mentre la madre, Anna Finster ( 1836-1915 ), era una donna colta e versata nella musica lirica.

Tutti i figli maschi della famiglia Klimt riveleranno in futuro una forte inclinazione per l’arte: i fratelli minori di Gustav, Ernst e Georg, diverranno anch’essi pittori.

Frequentò per otto anni la scuola primaria nel settimo distretto comunale di Vienna e registrata nel 1876, malgrado le pressanti ristrettezze economiche, il quattordicenne Gustav venne ammesso a frequentare la scuola d’arte e mestieri dell’Austria ( Kunstgewerbeschule ), dove studiò al 1883, cominciando a informare le istruzioni personali di gusto e imparando a padroneggiare diverse tecniche artistiche, dal mosaico alla ceramica, nel rispetto dei canoni accademici e della storia dell’arte del passato; fondamentale fu qui l’influenza esercitata da Ferdinand Laufberger e Hans Makart, sui quali condusse i primi studi.

I frutti di tanto arricchimento non poterono tardare: già tre anni dopo, al giovane Gustav venne commissionata la decorazione del cortile del Kunsthistorisches Museum, su progetto dello stesso Laufberger.

Da questo momento in poi, gli incarichi iniziarono a moltiplicarsi: nel 1880 dipingi le quattro allegorie di Palazzo Sturany a Vienna e il soffitto della Kurhaus di Karlsbad, mentre tra il 1886-1888 si dedò, con il fratello e l’amico, alla decorazione del Burgtheater, in una serie di pannelli raffiguranti teatri dell’antichità o del mondo contemporaneo.

I tre iniziarono a guadagnare ben presto notorietà negli ambienti artistici, e le commissioni dei primi ritratti garantiranno loro discreto successo e tranquillità economica.

Una testimonianza del suo riconoscimento artistico, nel 1888 Klimt ricevette una benemerenza ufficiale dall’imperatore Francesco Giuseppe, l’università di Monaco e Vienna lo nominarono membro onorario.

Nel 1892, a pochi mesi dalla morte del padre, anche il fratello Ernst morì improvvisamente: a questi lutti, che lascia un segno profondo anche nella sua produzione artistica, seguirono ben sei anni di attività.

Nello Stesso Periodo avvenne l’incontro con Emilie Flöge Che, pur being una Conoscenza delle relazioni con la clientela Che Il Pittore intratteneva con Altre donne ( NEGLI anni novanta del XIX Secolo Klimt Sarà il padre Riconosciuto di Almeno quattordici figli ), Gli Sarà compagna Fino alla morte.Nel quadro intitolato Amore del 1895 si presentano già alcune caratteristiche di forma e contenuti che accompagneranno Klimt per tutta la sua carriera.

• L’astro del secessionismo viennese

Sempre più, entrando in contrasto con i rigidi canoni accademici, nel 1897 Klimt fondò insieme ad altri diciannove artisti la Wiener Sezession ( secessione viennese ), attuando anche il progetto di un periodico-manifesto del gruppo, Ver Sacrum ( Primavera sacra ), del presente verranno pubblicati 96 numeri, fino al 1903.

Gli artisti della secessione aspiravano, oltre a portare l’arte al di fuori dei confini della tradizione accademica, in un florilegio di arti plastiche, design e architettura, anche a una rinascita delle arti e dei mestieri: non vi era uno stile prediletto, sicché sotto l’egida di questo gruppo si riuniscono i simbolisti, i naturalisti e i modernisti.Il simbolo del Secessionismo era la Pallade Atena, dea greca della saggezza e delle buone cause, che Klimt raffigurerà nel 1898 in uno dei suoi capolavori.

Nel 1894 l’università di Vienna commissionò all’artista la decorazione del soffitto dell’aula magna sul tema illuminista del trionfo della Luce sulle Tenebre, dall’industria su tre facoltà: Filosofia, Medicina e Giurisprudenza.

I lavori furono rimandati per anni, quando i pannelli vennero presentati, vennero rifiutati e aspramente criticati dai committenti, che rappresentarono una sobria rappresentazione del progresso della cultura, ma che si ritrovarono in un turbinio di materiali sensuali.

Noncurante delle critiche, in quel giro d’anni Klimt realizzò anche il Fregio di Beethoven , concepito per la quattordicesima mostra secessionista viennese, allestita dall’aprile al giugno 1902 nei locali del Palazzo della Secessione: questo trionfo di immagini visionarie, enigmatiche, dionisiache che sottintende le angosce e le aspirazioni dell’uomo moderno è una delle migliori testimonianze del genio provocatore di Klimt.

• Il periodo aureo

Nel 1903 Klimt si recò due volte a Ravenna, dove conobbe lo sfarzo dei mosaici bizantini: l’oro musivo, l’eco dei lavori del padre e del fratello in oreficeria, gli suggerì un nuovo modo di trasfigurare la realtà e modulare le parti piatte e plastiche con passaggi tonali, dall’opaco al brillante.

Fu dal connubio tra la ricchezza dei mosaici ravennati e i ricchi Wiener Werkstatte ( Laboratori Viennesi ) ai quali si avvicinò tornato in patria che nacquero alcuni dei capolavori klimtiani più celebri: Giuditta I ( 1901 ), il Ritratto di Adele Bloch-Bauer I (1907 ) e Il bacio ( 1907-1908 )  tutte opere dove Klimt si presenta convertito all’oro di Bisanzio.

È il dominio dell’oro che contraddistingue le tele del cosiddetto «periodo aureo» o «dorato» di Klimt, che è ormai prossimo ai quarant’anni.

Altra peculiarità delle opere del periodo sono la spiccata bidimensionalità del loro stile, che si arricchisce dando maggiore risalto al linearismo e alle campiture, usando pesanti simbolismi e la prevalenza di figure femminili, che il pennello di Klimt ha arricchito di un armonioso erotismo .

Al periodo aureo appartengono numerose opere dell’artista viennese: di queste, oltre quelle già citate, degne di nota sono Le Tre Età della Donna ( 1905 ), la Danae ( 1907-1908 ) e L’Albero della Vita ( 1905-1909 ), che, sua volta, faceva parte del più ampio progetto decorativo di palazzo Stoclet.

Il periodo aureo si chiuse nel 1909 la Giuditta II, seconda raffigurazione dell’eroina ebrea che libera la propria città dalla dominazione assira.

• Il periodo maturo e la morte

Dopo la stesura di Giuditta II , nel 1909, Klimt ebbe un periodo di crisi esistenziale e artistica. Il mito della Belle Époque era ormai giunto al tramonto, così come i fasti dell’Impero austro-ungarico, che collasserà definitivamente con lo scoppio della prima guerra mondiale.

Analogamente, Klimt iniziò a mettere in discussione la legittimità della propria arte, soprattutto quando venne a contatto con la produzione di artisti come Van Gogh, Matisse ⎆ , Toulouse-Lautrec ⎆ : dal punto di vista stilistico, il « periodo storico » ( o « terza fase klimtiana », detto anche periodo fiorito ) è caratterizzato dalla fusione di queste influenze e dall’abbandono del fulgore dell’oro e delle eleganti linee art nouveau.

Determinante per questa contaminazione fu anche l’incontro con la pittura espressionista, che in ambito viennese trovò due grandi interpreti: Egon Schiele ⎆ ed Oskar Kokoschka ⎆ , già suoi allievi.

Notevole fu anche il decisivo influsso esercitato dall’Impressionismo, come emerge nei diversi paesaggi nei quali Klimt si tuffa in questo periodo, alcuni dei quali ricordano molto vicino la maniera di Claude Monet .

Scopo di Klimt in questo periodo, infatti, era quello di ricercare una modalità espressiva meno sofisticata e più spontanea: egli ha risposto a quest’esigenza adottando una tabella più colorata, con cromatismi più accesi, e minimizzando ( come già accennato ) l ‘oro e le linee.

Nonostante i profondi mutamenti storici di quegli anni, l’artista viennese espose alla Biennale di Venezia nel 1910, vincendo pure nel 1911 il primo premio dell’Esposizione Internazionale di Arte di Roma con Le Tre Età della Donna .

L’attività di Klimt si interruppe l’11 gennaio 1918 quando, di ritorno da un viaggio in Romania, fu colto da un colpo apoplettico che lo condusse alla morte il 6 febbraio dello stesso anno. | © Wikipedia

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